martes, 13 de febrero de 2018

AUTOR Y CREACIÓN LITERARIA


 La literatura es un trabajo que parte de un a priori, reconocimiento de una actividad, dentro del mercado especifico, en un sistema capitalista, que de antemano pone las reglas y paga de acuerdo a un mercado y a un producto. En este caso, el libro. El mundo editorial tiene sus propias reglas y se mueve desde una estructura que en las últimas décadas ha tenido cambios sustanciales con las TIC.
Que es un autor: “Se llama autor a toda persona que crea una determinada obra sobre la que tendrá derechos protegidos por la ley”. Cualquier elemento creativo se encuadra en esta definición. Sartre en uno de sus ensayos más lúcidos: “¿Que es la literatura”,  empezaba diciendo: “ Todos los escritores de origen burgués han conocido la tentación de la irresponsabilidad, desde hace un siglo, esta tentación constituye una tradición en la carrera de las letras”. Expresando después: “el autor establece rara vez una relación entre el pago de sus obras y la misma creación”.


Los novelistas y los poetas, los ensayistas y los académicos, todos intelectuales, asumen ser creadores, son autores, lo que les permite asumir una especie de superioridad, algo así como inteligencia superior por fuera de lo común, cierta lucidez, una capacidad de racionalizar mejor la realidad, crear más allá del común, desde el talento, estamos hablando de arte, lo que perdura, su obra tiene un sobre-valor. Están en el mercado desde una actividad especifica: En este caso, habló de los autores de ficción, de los novelistas concretamente.

Hay miles de autores exitosos. Hablando de la novela,  es un género con una fortaleza sin parangón que ha exorcizado todos los pronósticos fatales sobre su extinción. Cuando empezamos una novela nos entramos en un universo, la ficción constituye el eje que le permite al autor ser un Dios.  El autor es el genio, si tiene éxito adquiere un estatus por encima del común, es un pensador.

Foucault expresa muy al contrario: “« ¿Qué importa quién habla?» En esta indiferencia se afirma el principio ético, el más fundamental tal vez, de la escritura contemporánea. La desaparición del autor se ha convertido, para la crítica, en un tema ya cotidiano”.  Establece una especie de genealogía del término: “Dejaré de lado, por lo menos en la exposición de esta tarde, el análisis histórico-sociológico del personaje, del autor. Cómo el autor se individualizó en una cultura como la nuestra, qué estatuto se le dio, a partir de qué momento, por ejemplo, empezaron las investigaciones de autenticidad y de atribución, en qué sistema de valoración quedó incluido un autor, en qué momento se empezó a contar la vida no ya de los héroes sino de los autores, cómo se instauró esa categoría fundamental de la crítica «el hombre-y-la-obra», todo esto sin duda merecería ser analizado. Por el momento quisiera tratar únicamente de la relación del texto con el autor, del modo como el texto apunta a esa figura que le es exterior y anterior, aparentemente por lo menos”. De igual manera establece: “ El nombre de autor: imposible tratarlo como una descripción definida; pero igual imposibilidad de tratarlo como un nombre propio ordinario.  La relación de apropiación: el autor no es exactamente ni el propietario ni el responsable de sus textos; no es ni el productor ni el inventor. ¿Cuál es la naturaleza del speech act que permite decir que hay obra?”.

En pleno siglo XXI, con la consolidación de otras formas de expresión más populares: La televisión, para no hablar de las series que son un bocado de cardenal, allí se da todo, escritura, escena, creación integral, puesta en escena, la mano del director que es magistral, es un total creador de la mano de un libreto. El cine ni hablar, la opera, el teatro, la comedia y otras formas e híbridos muy populares, en todos ellos el autor prevalece.
Hoy el autor es una vedette, desde el siglo XIX empezó a serlo, Balzac, Tolstoi, Zola. Es un creador en todo el sentido de la palabra, un artista metido en medio de una cosa tenaz que se llama mercado, en un sistema, el capitalismo voraz, una sanguijuela. Atrapar al lector en medio de tanta oferta es más difícil. La pregunta sin resolver en el fondo es: Cual es el papel del autor en la sociedad, su estatus ?.   












martes, 30 de enero de 2018

NICANOR PARRA


He tomado dos largas referencias. Unas extensas comillas que se justifican solo por el hecho de quererle hacer un justo homenaje a este grande de las letras. Cesar H Bustamante-

Realmente no había querido escribir sobre la muerte de Nicanor ocurrida la semana pasada, los poetas nunca mueren, me resisto a pensar en su muerte física, como si no quisiera aceptar esta inexorable tragedia natural. Ya no le veremos jamás, no estará con nosotros, no producirá más. La juventud tal vez no sabe lo que significó este hombre para Hispanoamérica, no solo fue un icono para las letras, sino una actitud moral, una luz que aún resplandece, un ser especial en el amplio sentido de la palabra, un creador fuera de serie. Dice la enciclopedia Wilkipedia en su presentación: “Considerado el creador de la antipoesía es para muchos críticos y autores connotados, tales como Harold Bloom, Niall Binns o Roberto Bolaño, el mejor o uno de los mejores poetas de Occidente. ​ El mayor de la Familia Parra —cantera de connotados artistas y músicos de la cultura chilena— recibió el Premio Nacional de Literatura (1969) y el Premio Miguel de Cervantes (2011), entre otras distinciones, además de haber sido candidato al Premio Nobel de Literatura en diversas ocasiones”. Javier Rodriguez Marcos presentó el hecho de su muerte de esta manera: “Todos los días muere algún poeta. Los antipoetas, sin embargo, mueren una vez por siglo. O por era geológica. La razón es sencilla: poetas siempre ha habido y habrá; antipoetas solo ha habido uno, Nicanor Parra. Así, por contraste con el resto de sus pares, suele presentar al escritor chileno el mejor de sus estudiosos: el profesor Niall Binns. Después de asistir hace tres años a su propio centenario y hace uno al de su hermana, la cantante Violeta, Nicanor Parra (San Fabián de Alico, 1914) murió ayer en su casa del municipio de La Reina, en Santiago de Chile. Se había instalado en ella poco antes de su cumpleaños, en septiembre pasado, y después de pasar los últimos tiempos en el pueblo costero de Las Cruces”[1]. Este mismo autor recuerda: “Años antes, en 1954, había publicado un libro para el que barajó varios títulos —Material de Lectura, Oxford 1950,Veinte años y un día— pero cuya denominación final marcaría el resto de su obra: Poemas y antipoemas. En él, como avisaba su autor, no aparecían palabras como arcoíris, dolor o Torcuato. Sillas y mesas, sí. También había prosaísmo, humor, ironía, quiebros, chistes (buenos y malos), poesía que no quería serlo”. “La antipoesía está ubicada dentro de las corrientes literarias de post-vanguardia (recordemos que la vanguardia estaba representada por escritores como Baudelaire, Rimbaud, Bretón, Huidobro, etc.). La antipoesía es una poesía que expresa las vivencias del hombre masa, o el hombre de la clase media en un sistema capitalista. En la época en que surge la antipoesía, se hablaba de antinovela, antipintura.  La antipoesía es un movimiento que persigue quitarle el carácter serio, solemne, grave, a la poesía que se venía escribiendo. Algunos han señalado que la antipoesía surge como una corriente anti-nerudiana.  El objetivo que persigue la antipoesía es desacralizar la realidad, es decir, quitarle lo serio, lo sagrado que tienen las ideas, las acciones y los modos de vida.  Para conseguir esta desacralización busca un lenguaje apropiado y lo consigue a través de:

  • Frases hechas.
  • Tono de lección magistral.
  • Tono de conferencia.
  • Como informe científico o académico.
  • Modo de reportaje.
  • Forma de relato periodístico.
  • Como noticia.
  • Como aviso comercial.
  • En forma de advertencia.

Todos estos recursos sin utilizados en un contexto nuevo y eso es lo que hace que el antipoema produzca impacto, desconcierto.  El lenguaje del antipoema busca destruir el lenguaje exquisito en que había caído la poesía.  Ese lenguaje es reemplazado por un lenguaje de la calle, cotidiano, burlesco, irónico. ¿Por qué nace esta forma de poesía conocida como antipoesía?. Creemos que la respuesta hay que encontrarla en dos lugares.  Primero, la poesía ya no podía seguir transmitiendo las vivencias, el modo de ver del hombre medio a través de las normas tradicionales de la poesía.  Es decir, hay una impotencia expresiva para dar cuenta de la realidad.  Los poemas basados en "lo bello" ya no sirven; no llegan a la sensibilidad del hombre contemporáneo.  El poeta siente que el lenguaje y modo de escribir poesía ya no le sirve para comunicarse. Ahora bien, el segundo elemento de la antipoesía tiene relación con lo que quiere expresar el antipoeta.  ¿Qué es lo que quiere comunicar? Paradojalmente quiere comunicar lo difícil que resulta comunicarse, la impotencia que siente el poeta en este intento y el enfrentamiento con la falsedad de un mundo convencional, de un mundo absurdo que pretende convertirse en un modelo de vida.  Es por eso que el poeta, a través de la burla, desenmascara la hipocresía del ser humano, de sus relaciones, de sus sistemas de valores.  Se rechaza, por ejemplo, la idea de que el poeta es un ser especial, superior en sensibilidad, también desenmascara la falsedad de las relaciones sentimentales dominadas por los prejuicios. Algunas características de la antipoesía son: Se define negativamente.  Insiste en su incapacidad de comunicarse. Utiliza la burla, la sátira, el sarcasmo, el humor negro.  Esto lo logra en gran medida utilizando lugares comunes, frases hechas que son sacadas de su "contexto serio".  Ridiculiza a los seres, situaciones, ideas, conductas. Es un poesía "escéptica".  Es decir, aparece no creyendo ni en concepciones religiosas, ni en concepciones políticas. Es demoledora.  Busca con fuerza destruir modos de ver el mundo, el lenguaje poético e incluso la concepción de poeta tradicional. Muestra la incongruencia de lo cotidiano.  Es decir, pone el acento en las contradicciones desenmascarando la realidad, los prejuicios y los valores burgueses. Es retórica.  Es decir, resulta fácil detectar cuáles son los mecanismos que la componen, ya sea en el terreno del lenguaje, en la visión del mundo y en la idea de antipoeta [2].

Su muerte, como la de todos los grandes, me dejo interperrito…nada que hacer, recordarlo desde sus antipoemas y su universo creativo lo mantiene vivo entre nosotros.
ADVERTENCIAS AL LECTOR

El autor no responde de las molestias que puedan
    ocasionar sus escritos :
Aunque le pese
El lector tendrá que darse siempre por satisfecho
Sabelius, que además de Teólogo fue un humanista consumado,
Después de haber reducido a polvo el dogma de
              la Santísima Trinidad
¿Respondió acaso por su herejía?
Y si llegó a responder, ¡cómo lo hizo!
¡En qué forma descabellada!
¡Basándose en qué cúmulo de contradicciones!
Según los doctores de la ley este libro no debiera publicarse:
La palabra arco-iris no aparece en él en ninguna parte,
Menos aún la palabra dolor,
La palabra tormento.
Sillas y mesas sí que figuran a granel,
¡Ataúdes!, ¡útiles de escritorio!
Lo que me llena de orgullo
Porque, a mi modo de ver, el cielo se está cayendo a pedazos.
Los mortales que hayan leído el Tractatus de Wittgenstein
Pueden darse con una piedra en el pecho
Porque es una obra difícil de conseguir:
Pero el Círculo de Viena se disolvió hace tres años,
Sus miembros se dispersaron sin dejar huellas
Y yo he decidido declarar la guerra a las Cavalieri della luna.
Mi poesía puede perfectamente no conducir a ninguna parte:
"Las risas de este libro son falsas", argumentarán mis detractores
"Sus lágrimas, ¡artificiales!"
"En vez de suspirar, en estas páginas se bosteza"
"Se patalea como un niño de pecho"
"El autor se da a entender con estornudos"
Conforme: os invito a quemar vuestras naves,
como los fenicios pretendo fabricarme mi propio alfabeto
"¿A que molestar al público entonces?", se preguntarán los amigos lectores:
"Si el propio autor empieza a desprestigiar sus escritos,
¡Qué podrá esperarse de ellos!".
Cuidado, yo no desprestigio nada
O, mejor dicho, yo exalto mi punto de vista,
Me vanaglorio de mis limitaciones
Pongo por las nubes mis creaciones.
Los pájaros de Aristófanes
Enterraban en sus propias cabezas
Los cadáveres de sus padres.
(Cada pájaro era un verdadero cementerio volante)
A mi modo de ver
Ha llegado la hora de modernizar esta ceremonia
¡Y yo entierro mis plumas en la cabeza de
                               los señores lectores!


Nicanor Parra.









[1]  Javier Rodriguez Marcos. Nicanor Parra, el último antipoeta (y el primero).
elpais.com/cultura/2018/01/23/actualidad/1516740484_546789.html


[2] O s v a l d o   U l l o a   S á n c h e z.  A N T I P O E S Í A
L A   E S C É P T I C A   N E G A C I Ó N.
http://webcache.googleusercontent.com/search?q=cache:http://www.poesias.cl/antipoesia.htm



domingo, 28 de enero de 2018

EL DEBATE SOBRE EL OLVIDO DE LAS ESCRITORAS LATINOAMERICANAS

Parto del a priori que una buena escritora difícilmente podrá dejársele a un lado, se impondrá de alguna manera y que el tema de la discriminación de género no cabe para este tópico especifico. Otro caso, es como se mueve la cultura, históricamente machista, con respecto a ciertas consideraciones puntuales que tiene que ver con el acceso. Las editoriales publican por cada diez novelas escritas por hombres una escrita por una mujer, siendo posiblemente un fenómeno netamente estadístico, están hasta ahora entrando al mercado podrían justificar, no deja de reflejar cierto sesgo, el rescoldo de un machismo que apenas empieza a ser desplazado. 
Ahora que el tema del acoso se ha puesto de moda y que generó un debate gracias a la posición de una pleyade de mujeres Francesas que consideran  la posición de ciertas mujeres americanas frente al tema, sobre todo esa élite del cine, como hipócrita, habría que preguntarse por la escaza inclusión de mujeres en Bogotá 39, si de hecho a las mujeres en materia literarias aún se les discrimina, o son miradas, por aquellas personas que manejan este mundo con desdén. Esta especie de “puritanismo” con el que se someta la discusión, desde la perspectiva de la creación, no tiene cabida, una buena escritora es imposible en el mundo actual no tenerla en cuenta: Rosa montero, Almuduena Grandes, Piedad Bonnet, Laura Restrepo….en fin. El mundo de la cultura, los eventos, ceder la palabra en los conversatorios, es otra cosa….repito, aquí puede haber un sesgo, un machismo anacrónico que no suelta. Ana Marcos en una columna del periódico “El país”de España, a propósito del “Hay festival” de Cartagena escribía (Cito gran parte del articulo pues es de suma importancia para el debate) :” Hace ya un año que cuando un premio, un congreso o un debate literario solo ha dado voz a autores latinoamericanos, ha aparecido una escritora para recordarles a sus autoridades que ellas también cuentan. Las narradoras Gabriela Wiener en Perú y Gabriela Alemán en Ecuador fueron de las primeras en alzar la voz. Sus colegas colombianas, las últimas en ser obviadas por el Estado cuando se trataba de representar a su país, tampoco se han callado. Ellas y ellos se encuentran ahora en él “Hay Festival” de Cartagena de Indias para seguir repensando el sistema editorial y literario a través del que se narra un continente. El 47% de los participantes en este encuentro de ideas son mujeres, según datos de la organización. Trece ediciones después, ellas tienen que superar la barrera del 50% citando a más referentes femeninos en charlas como Las escritoras que nos gustan. “Al principio de mi vida lectora, en la adolescencia, estuvo Clarice Lispector y Alejandra Pizarnik, a quienes descubrí en la biblioteca de mis padres”, cuenta Juan Cárdenas. El escritor colombiano es uno de los elegidos en Bogotá 39, la lista de los 39 mejores autores, menores de 39 años, de América Latina seleccionados por el Hay Festival. Los responsables del jurado de Bogotá 39, como la periodista Leila Guerriero o el editor Darío Jaramillo, han explicado que se concentraron en elegir a los mejores autores. Una idea que la narradora argentina resumió en una de sus columnas en EL PAÍS. “Nunca pienso en ellas como ‘mujeres’ sino como ‘algunos-de-mis-autores-favoritos’. Me gustan por su calidad, no por su género. Pero no soy idiota: sé que en literatura, como en todo lo demás (política, empresa, sindicalismo), el acceso a ciertos espacios es, para las mujeres, mucho más arduo que para los hombres”.

Hay buenos escritores, la calidad de una obra está por encima de las consideraciones de género. Otro problema sería el acceso a ciertos espacios culturales dominados por una sociedad machista que aún pervive en anacronismos. El debate no se puede banalizar. Lo que está para investigar seriamente y con rigor es cuál es el espectro real de las escritoras actualmente en Latinoamérica. Sé que hay un trabajo inmenso. En la academia ni hablar. Hacer seriamente este inventario es de suma importancia. Ana Marcos termina el articulo diciendo: ““Es inevitable que los nuevos movimientos feministas tengan un impacto en la literatura, tanto en lo que se escribe como en la propia institución”, relata Juan Cárdenas. “Lo que todavía no sabemos es qué forma tendrá ese impacto, esa transformación. Yo soy un optimista patológico y creo que, en definitiva, el resultado de esta oleada feminista va a ser una literatura mejor en todo sentido”. Adelante remata: Por el momento, el grupo de escritoras colombianas que plantó cara al Ministerio de Cultura cuando dejó fuera a las mujeres de un coloquio en París, el pasado noviembre, ha conseguido que en Colombia se hable de Pilar Quintana, reciente ganadora del Premio Biblioteca de Narrativa Colombiana, de Amalia Andrade, Diana Ospina, Catalina Holguín y muchas otras. Las que se atrevieron a preguntar: ¿las mujeres no tienen la misma calidad literaria que los hombres en Colombia?. El debate queda abierto, si es que hay un debate.




martes, 23 de enero de 2018

ARMONÍA ENTRE: VER Y DECIR


Elkin es un excelso poeta de Medellín. La poesía para algunos es una manera de interpretar y asumir la vida, resulta, como en este caso, esencial para sobrevivir, bálsamo de la existencia. No es el primer libro de este poeta. Como lo explico en el prologo, cuando Elkin se encontró con el Haiku, de súbito, halló una forma nueva  y hermosa para expresarse, con la poderosa síntesis que le permite articularse sabiamente con su naturaleza. Este prologo lo escribí hace un año y pienso que amerita publicarse.

PROLOGO

El Haikú para Elkin de Jesús fue una implosión, le llegó en un momento creativo muy importante de su trayectoria como poeta, en sus luchas continuas y anodinas con el mundo creativo, la obsesión en la creación de un corpus poético inherente a una fuerza que no se transa, que obliga, desde una óptica muy particular expuesta magistralmente en cada uno de sus versos, constante en su vida, se fortaleció con este hallazgo formidable, se convirtió en una manera sabia de hacer visibles sus elucidaciones. “La tarea de desacralizar el ejercicio poético, restituyendo sus vínculos con las necesidades populares sin mengua del amoroso cuidado orfebre del lenguaje”[1], ha sido el quehacer del último año, una pasión desmedida y lúcida.

El Haikú en su más connotado sentido histórico adquirió en el español mucha importancia a partir del modernismo, se hizo visible y constituyó para los poetas una manera novedosa y sabia de expresar su mundo. Nuestro idioma responde a una tradición con muchas afinidades: “Ha habido muchos poetas españoles y latinoamericanos que escribieron haikús”. Lo llamativo es que no se hayan remontado hasta la tradición antiquísima de la – seguidilla -, sobre todo la seguidilla – simple – de la Edad Media, esto es 7-5-7-5 sílabas, muy parecida a la medida 5-7-5 del haikú japonés. La razón es cien por ciento comprensible. La seguidilla es de carácter popular y su finalidad es ser cantada y hasta puede que sea acompañada por el baile, mientras que el Haikú pone más énfasis en el aspecto estético de la mente humana, aunque esta peculiaridad no quita que haya muchos haikús una tanto jocosos”[2]Para la poesía hispanoamericana este instrumento ha sido renovador y refrescante, constituye una manera de crear a partir de una regla precisa, ritmo y musicalidad en muy pocas palabras, todo un bonsái creativo. comprensible. La seguidilla es de carácter popular y su finalidad es ser cantada y hasta puede que sea acompañada por el baile, mientras que el Haikú pone más énfasis en el aspecto estético de la mente humana, aunque esta peculiaridad no quita que haya muchos haikús una tanto jocosos”[1]. Otros autores han sido puntuales al respecto: “El Haikú en particular Se viene desarrollando en español desde los primeros años del siglo XX y se atribuye su introducción en el mundo hispanohablante al mexicano José Juan Tablada (1871-1945); nacido en Ciudad de México; Tablada además de poeta de talante modernista, fue de profesión periodista y crítico de arte y entre sus amigos contaba con pintores de la talla de José Clemente Orozco y Diego Rivera”. Elkin expresa con respecto a esta figur:

“Es obvio que no me he puesto a imitar a poetas japoneses, ni siquiera a incorporar sus imágenes y temas preferidos. Apenas he tenido la osadía de introducirme en esa pauta lírica, pero no apelando a los tópicos japoneses sino a mis propios vaivenes, inquietudes y sentimientos, que después de todo no difieren demasiado de mis restantes obras de poesía”.

El libro saldrá dentro de poco en medio digitales y esperamos también se edite. 



1.  DEFINICIÓN DE HAIKÚ

¿Qué es el Haikú?
Hai es armonía entre:
ver y decir.

23 de marzo de 2014


1.   SOY

Para todo acto
sediento de dolor:
Hecho de facto.

Vaya misterio,
para ser lo que se es,
no obstante, soy.

23 de marzo de 2014


  1. LEJANIA

Lejos de todo,
pero cerca de ti.
Eres cercana.

La lejanía
nos separa a los dos.
No, lo lejano.

25 de marzo de 2014


  1. LEJANIA

Lejos de todo,
pero cerca de ti.
Eres cercana.

La lejanía
nos separa a los dos.
No, lo lejano.

25 de marzo de 2014



[1] Norio Shimizu. Los haikús de Borges: Su peculiar acercamiento a la estética japonesa




[1] Eduardo Casar, Universidad de México. Sobre Sebastián Tablada
[2] Norio Shimizu. Los haikús de Borges: Su peculiar acercamiento a la estética japonesa

sábado, 20 de enero de 2018

BOGOTA 39 UNA GENERACION EN PROSPECTIVA

Es difícil estar al tanto de lo que sucede con los nuevos escritores. En Latinoamérica hay una generación consolidada de ellos, lograron quitarse el cordón umbilical del boom, brillan con luz propia y representan un arco iris que permite una acción de continuidad que le da permanencia a una literatura que es muy importante para el mundo. Él “hay festival” de Bogotá permite relevar a muchos de estos escritores. Recordemos que Gabo escribió “Cien años de soledad” a los 39 años, en plena juventud creativa. Recuerdo a Andrés Neuman, Pedro Mairal,  Gonzalo Garcés de Argentina, Verónica Stiger y Joao Paulo cuenca de Brasil,  Álvaro Visama de Chile, Juan Gabriel Vázquez, Antonio Ungar,  Ricardo Silva, Pilar Quintana de Colombia, Guadalupe Netell, Volpi de México, para sólo citar algunos invitados a festivales anteriores, hoy con una obra seria e importante.
Este año de nuevo se volverá a realizar este evento organizado por “El hay festival”. Como lo indica el periódico “El país” de España “Bogotá 39, implica una suerte de ejercicio de numerología. Se trata de 39 escritores de ficción que aún no han cumplido los 40. Provienen de 15 países. Sus nombres se dieron a conocer en mayo, 10 años después de la primera edición de esta iniciativa. Representan, de alguna manera, una generación.  39 propuestas para seguir leyendo”. “Entre ellos figuran el cubano Carlos Manuel Álvarez; los colombianos Felipe Restrepo Pombo (director de la revista Gatopardo), Giuseppe Caputo y Juan Cárdenas; los mexicanos Valeria Luiselli y Emiliano Monge; los argentinos Samanta Schweblin y Mauro Libertella; los peruanos María José Caro, Claudia Ulloa Donoso y Juan Manuel Robles; el dominicano Frank Báez; el ecuatoriano Mauro Javier Cárdenas; el chileno Gonzalo Eltesch. Los eligió un jurado formado por los escritores Leila Guerriero, Carmen Boullosa y Darío Jaramillo e integran una antología editada por Galaxia Gutenberg (a la venta el 31 de enero), que se propone “celebrar la buena literatura” y reflejar la diversidad de las letras latinoamericanas”.
Es difícil seguir a cada uno de estos escritores, pero este festival nos deja ver lo que está pasando con nuestra literatura. He tenido la oportunidad de leer algunos, de hecho, realmente son buenos. Estoy de acuerdo con Francesco Maneto quien dice que  este encuentro “Sugiere más bien una conversación generacional en la que destacan los lazos, los vínculos personales, el registro de la primera persona, la narración autobiográfica y la literatura de las pequeñas cosas, pero también la violencia, los entornos urbanos, la idea de frontera o la búsqueda de la representación política a través de códigos no convencionales”.




Estos son los escritores convocados:
BOGOTÁ 39 / 2017
1.- Carlos Manuel Álvarez (Cuba)
2.-  Frank Báez (República Dominicana)
3.-  Natalia Borges Polesso (Brasil)
4.-  Giuseppe Caputo (Colombia)
5.-  Juan Cárdenas (Colombia)
6.-  Javier Cárdenas (Ecuador)
7.- María José Caro (Perú)
8.-  Martín Felipe Castagnet (Argentina)
9.-  Liliana Colanzi (Bolivia)
10.- Esteban Constaín (Colombia)
11.- Lola Copacabana (Argentina)
13.- Gonzalo Eltesch (Chile)
14.-  Erlan (Argentina)
15.- Daniel Ferreira (Colombia)
16.- Carlos Fonseca (Costa Rica)
17.- Damián González Bertolino (Uruguay)



18.- Sergio Gutiérrez Negrón (Puerto Rico)
19.- Gabriela Jauregui (México)
20.- Laia Jufresa (México)
21.-  Libertella (Argentina)
22.-  Lozano (México)
23.- Valeria Luiselli (México)
24.- Alan Mills (Guatemala)
25.- Emiliano Monge (México)
26.- Mónica Ojeda (Ecuador)
27.- Eduardo Plaza (Chile)
28.- Eduardo Rabasa (México)
29.- Felipe Restrepo Pombo (Colombia)
30.- Juan Manuel Robles (Perú)
31.-Cristian Romero (Colombia)
32.-Juan Pablo Ronconce (Chile)
33.-Daniel Saldaña París (México)
34.-Samanta Schweblin (Argentina) 
35.-Jesús Miguel Soto (Venezuela)
36.-Luciana Sousa (Argentina)
37.-Mariana Torres (Brasil)
38.-Valentín Trujillo (Uruguay)
39.-Claudia Ulloa Donoso (Perú)
40.-Diego Zúñiga (Chile)







domingo, 7 de enero de 2018

JOSE MANUEL CABALLERO BONALD

La poesía de este escritor Español reivindica a un género que por cosas inexplicables las editoriales pretenden mandar al cuarto de San Alejo. En una entrevista para la revista “Mercurio” realizada por Antonio Jiménez Millán expresaba el poeta: “De joven, yo seguía bastante de cerca las normas románticas de la exaltación, las normas barrocas de la ornamentación. Luego, me fui librando cada vez más de la mecánica literaria tradicional [...]. Ahora me he quedado a solas con una definición de la poesía: esa mezcla de música y matemáticas que ocupa más espacio que el texto propiamente dicho”. Heidegger afirmaba que «el pensamiento es la poesía original que precede todo arte poético». Leer a Caballero constituye una alucinación, sentimos la fuerza del lenguaje, su esencia. El filosofo Alemán lo expresa con más claridad: “«No se puede iniciar el pensamiento hasta que hayamos aprendido que la razón, esta cosa tan magnificada desde hace siglos, es el enemigo más encarnizado del pensamiento». De hecho, cuando leo a este poeta me encuentro en una relación directa entre palabra y pensamiento sin atender a la instrumentación de la razón y del poder en sus perversas maquinaciones. Hay una especie de radiografía de los sentimientos.
Este poeta estuvo dos años en Colombia y su estadía fue de suma importancia para su obra y en la metamorfosis de su poesía. Este año el periódico “El país” de España incluyó un libro suyo dentro de los más importantes del 2017. Su biografía gira en torno a la creación: “De padre cubano —republicano del Partido Reformista— y madre de ascendencia aristocrática francesa —de la familia del vizconde de Bonald—,​ estudió Filosofía y Letras en Sevilla entre 1949 y 1952 y náutica y astronomía en Cádiz. En estos mismos años comenzó a relacionarse con los cordobeses de la revista Cántico, como Pablo García Baena. Publicó su primer poemario, Las adivinaciones, en 1952, tras haber obtenido con él un accésit del Premio Adonáis. Dos años antes había ganado el Platero de poesía. Su carrera continuó en Latinoamérica,​ donde fue profesor universitario en Bogotá. En la capital colombiana escribió su primera novela —Dos días de septiembre, galardonada en 1961 con el Premio Biblioteca Breve y publicada al año siguiente— y tuvo a su primer hijo. Colaboró con Camilo José Cela y con el proyecto del Instituto de Lexicografía de la Real Academia Española. Además, tuvo un idilio de siete años con la primera mujer de Cela, Rosario Conde. En 1986 se inauguró un instituto con su nombre, y en 1998 se constituyó la Fundación Caballero Bonald”[1]. Hay un dato muy curioso que no aparece entre el cumulo de información existente sobre Gabriel García Marquez, Bonald estando en Colombia fue el que le entregó la información a Carmen Balcells sobre la existencia de nuestro nobel ante la pregunta de cuales eran los novelistas de relieve surgidos en Colombia por allá en los años 60. Dice el poeta: Yo le pase tres nombres: GGM, Pedro Gómez Valderrama y Alvaro Mutis. Es un dato muy valioso por lo que significó esta conexión para el escritor y para las letras hispanoamericanas. 
Los itinerarios de un escritor son de suma importancia para la crítica, pero cuando hablamos de poesía y de la obra de un poeta, sus versos lo son todo. Creo que uno puede programar los tiempos de una novela, el tema, su construcción a partir de la génesis que a bien tenga, está sujeta a una disciplina de alguna manera. Con la poesía no pasa lo mismo. Los poetas nacen y se pulen. Hay poetas más naturales, juglares. Otros a partir de su talento crean una obra vasta y atiende a disciplinas muy especificas. Neruda con residencia en la tierra forjó una obra que en algunos momentos deja ver estos esfuerzos, los artificios le quitan el encanto que solo nace del talento innato. La poesía, la labor creativa de Bonald se definió en un artículo de manera magistral: “Porque su obra se ha forjado, según la poeta Aurora Luque, "como una cuestión de fidelidad tormentosa y absoluta a las palabras, unida a cierta erótica codicia hacia el habla de la gente"[2]. Jiménez Millán lo define de otra manera, de igual manera con mucha lucidez: “la experiencia vivida en experiencia lingüística con una suficiente carga de ambigüedad iba a ser el eje de la poética de Caballero Bonald desde el principio. Su acercamiento al realismo crítico a finales de la década de los cincuenta responde, según sus propias palabras, a una “esporádica obediencia a las solicitaciones del tiempo histórico”: ya en Las horas muertas (1959), la profunda corriente existencialista dominante en sus primeros libros se decanta hacia un compromiso político que se explicita aún más en Pliegos de cordel (1963), un balance de la historia personal que traslada episodios y sensaciones al ámbito de la memoria compartida”. Este es un poeta para tener en cuenta y leer por su puesto.


DIARIO REENCUENTRO
Desde donde me vuelvo
a la pared, en medio de la noche,
desde donde estoy solo
cada noche, cautivo
bajo mi propia vigilancia, allí
me hallo según la fe que me fabrico
cada día.
                             Lavada está mi vida
 en virtud de su asombro. Ayer, mañana,
 viven juntos y fértiles, conforman
mi memoria conmigo.
                           Únicamente soy
mi libertad y mis palabras.









2. Caballero Bonald, un estilo implacable y leal a la palabra. Jesús Ruiz Mantilla

martes, 26 de diciembre de 2017

JORGE LUIS BORGES EL TANGO CUATRO CONFERENCIAS

Editorial sudamericana lanzó en  la pasada feria del libro de Buenos Aires un texto que recoge cuatro conferencias sobre el tango. “Las grabaciones que dan origen a este libro llegaron a manos del escritor Bernardo Atxaga en el 2002 cuando José Manuel Goikoeetxea le entregó unos casetes envueltos y le explicó que habían pertenecido a un gallego, que se había ido a la Argentina de niño y luego trabajado como productor musical en Alemania ( Era de Manuel Román Rivas. Fallecido en el 2008). Este se las había traído de Buenos Aires y se las regaló a  Goikoeetxea en agradecimiento por su amistad”.  La autenticidad de las mismas estás absolutamente comprobada. La primera conferencia se llama: “Los orígenes del tango”. La Segunda: “De compadritos y guapos”, la tercera: Evolución y expansión” y la última: El alma Argentina. (Al principio su intención era hacer una investigación sobre Evaristo Carriego que  paradójicamente termina en un estudio sobre el tango)
Este texto está lleno de excelentes referencias sobre el tema, con las articulaciones acostumbradas de este gran escritor que terminan convirtiendo cualquier disertación en buena literatura; comienza con Evaristo Carriego como era lógico. Borges tiene la virtud de volver lo local en universal, de ir contando las historias desde lo coloquial asumiendo siempre una indagación sobre conductas, marcas y valores de su Buenos Aires de principio de siglo XX, las que gracias a la música y la literatura se han vuelto universales: La venganza, la historia del arrabal, los amores contrariados. Entre otras, cuenta la historia de Palermo, el Barrio de sus ancestros, lleno de casas solariegas con patio, una vida coloquial que por supuesto  ha desaparecido. Toca de manera tangencial el fenómeno de la emigración, con sus influencias más emblemáticas, las trasformaciones sociales de un país en ciernes, lingüísticas, las etimologías, siempre entorno al tango, su nacimiento y consolidación a nivel mundial.
La tercera conferencia, que llama “Evolución y expansión”, entre 1910 y 1914,  se decanta Borges en su máxima expresión. Cita a Rubén Darío, Lugones, narra con cierta sorpresa  como el tango se tomó a Europa, como entró en los grandes salones. Dice: “El filósofo irlandés Berkeley dijo famosamente que “Ser es ser percibido” y también que “Ser es percibir”. Pues bien, hasta aquel momento habíamos percibido a los otros países, habíamos percibido el pasado, el presente, pero no habíamos sido percibidos por el mundo”. Habla de los visitantes ilustres, del bandoneón, ese instrumento nuevo que trasformaría la música, que sería una revolución. Expresa que el tango surge de la milonga. Luego el tango se va entristeciéndose, languideciendo. La tristeza viene de la migración italiana, se escucha en lugares específicos de la gran ciudad: Adela, Palermo, cerca de la penitenciaría, o de la calle Chile del barrio sur o quizás de los barrios viejos, se fue alejando de los barrios viejos y se fue adentrándose a la Boca. Borges a pesar de estas citas no está totalmente de acuerdo lo que hace del texto una indagación muy hermosa. Cita a Ascasubi, Estanislao Del Campo, Vicente Rossi. Termina citando a Gardel, su gran aporte como cantante. En este lugar hace una disgregación de la poesía. Borges recuerda que la poesía empieza con la epopeya, cita el “El cantar del Mío Cid, el Beowulf,el “Ramayana”.
La última conferencia: “El alma Argentina”. Termina con un análisis de la composición del tango,  de su internalización, sobre todo de la llegada a Japón, de los muchos tópicos en que se expresa, de la opinión de conocedores del tema.  Siempre he duda de la aparición de obras póstumas, los escritores parecieran que trabajan después de su muerte por efecto de las editoriales, que buscan a granel textos, sobre todo cuando se trata de un hombre universal como Borges. En este caso no tengo dudas sobre la autoría de estas conferencias