viernes, 19 de junio de 2026

LA VIDA DE SAMUEL JOHNSON DE JAMES BOSWELL A PROPOSITO DEL ANIVERSARIO DE LA MUERTE DE BORGES


 Se cumplen cuarenta años de la muerte de Jorge Luis Borges. Murió el 14 de junio de 1986 y gracias a varios escritos sobre este hecho y lo que nos ha costado la ausencia de este grande la literatura, volví a la biografía de Samuel Johnson de Boswell.  Esta obra escrita  en 1791, está considerada de forma casi unánime como la mejor biografía jamás escrita en la lengua inglesa, y un hito absoluto en la literatura universal. Antes de Boswell, las biografías solían ser hagiografías (alabanzas ideales que pintaban a los personajes como santos) o simples cronologías aburridas de hechos y fechas. Boswell cambió las reglas del juego para siempre.

Dice Frank Brady en el prologo de la misma que  "más allá de este juicio, los desacuerdos en torno a su naturaleza y sus características son tan variados y profundos que aquí habremos de restringirnos a tratar cinco cuestiones: (I) la teoría y práctica de la biografía en relación con la Vida; (2) la confección de la Vida; (3) la presentación que hace de la figura de Johnson; (4) el papel de Boswell como autor y personaje; (5) las opiniones del siglo XVIII y las opiniones de la crítica moderna acerca de la Vida. Boswell no quería elevar a Johnson a un altar; quería retratar al hombre real. Mostró a un Johnson brillante, pero también con sus obsesiones, sus arrebatos de ira, su miedo a la muerte, su melancolía y sus modales rústicos en la mesa. Además Introdujo el concepto de que una biografía debe buscar la verdad psicológica y humana, no la perfección moral".


Harold Alvarado Tenorio, en un escrito realizado para el periodico "El colombiano" de Medellín colombia a proposito de los diarios de Adolfo Byo Casares y del aniversario de la muerte de borges, expresa que este es un retrato intimo de las conversavciones de dos grandes amigos entre 1931 y 1989. Aunque esta datación incluye un pequeño error de dedo (abarca desde su primer encuentro en 1931 —con registros continuos desde 1947— hasta la muerte de Borges y sus repercusiones en 1989), la esencia es exacta: es una de las obras de registro testimonial más descomunales, fascinantes y polémicas de la literatura en español. Con casi 1.700 páginas, la genialidad, la malicia y la intimidad de este libro hace del chisme  su más desnudo ejercicio, dice Harold, la cicuta que nos ha enveneado en la lectura. 

En el prologo del libro de Byo se establece con claridad el itinerario de estos diario: "En septiembre de 1946 terminó Bioy su prólogo a la Suma; en 1947  empezó a registrar las «interminables, exaltadas conversaciones» con Borges, afanes en los que perseveró, calladamente, durante casi cuarenta años. Desde 1987 publicó fragmentos de esas charlas, que aspiraba a reunir, según anunció en 1990, en un libro donde Borges aparecería «riéndose de las cosas que él mismo respetaba, hablando como un amigo íntimo». En 1996, dentro de nuestro plan de edición de sus papeles privados, acordamos realizarlo: examiné sus diarios, sus cuadernos de apuntes, sus libretas y su correspondencia, y, durante 1997 y 1998 revisamos, organizamos y corregimos el texto, que leímos íntegramente en su versión final no menos de dos veces antes del adverso milagro de 1999". 

Miremos la primera entrada del diario de Byo, para que entendamos la profundidad del mismo y las recurrentes incitaciones a autores y lecturas:

"Creo que mi amistad con Borges procede de una primera conversación, ocurrida en 1931 o 32, en el trayecto entre San Isidro y Buenos Aires. Borges era entonces uno de nuestros jóvenes escritores de mayor renombre y yo un muchacho con un libro publicado en secreto. Ante una pregunta sobre mis autores preferidos, tomé la palabra y, desafiando la timidez, que me impedía mantener la sintaxis una frase entera, emprendí el elogio de la prosa desvaída de un poetastro que dirigía la página literaria de un diario porteño. Quizás para renovar el aire, Borges amplió la pregunta: 

—De acuerdo —concedió—, pero fuera de Fulano, ¿a quién admira, 

en este siglo o en cualquier otro?. 

—A Gabriel Miró, a Azorín, a James Joyce —contesté. 

¿Qué hacer con una respuesta así? Por mi parte no era capaz de explicar qué me agradaba en los amplios frescos bíblicos y aun eclesiásticos de Miró, en los cuadritos aldeanos de Azorín ni en la gárrula cascada de Joyce, apenas entendida, de la que se levantaba, como irisado vapor, todo el prestigio de lo hermético, de lo extraño y de lo moderno. Borges dijo algo en el sentido de que sólo en escritores entregados al encanto de la palabra hallan los jóvenes literatura en cantidad suficiente. Después, ha blando de la admiración por Joyce, agregó: 

—Claro. Es una intención, un acto de fe, una promesa. La promesa 

de que les gustará —se refería a los jóvenes— cuando lo lean". 

En el prologo de la biografía de Samuel Johnson acuñan: "La exactitud, por otra parte, podría parecer un ideal imposible. Como ha dicho Geoffrey Scott, «Boswell ha acuñado una imagen que bien describe su meta: una “vida” debería ser como un grabado impecable, hecho a partir de la plancha que ha repujado nuestra memoria… La biografía debiera ser nada más y nada menos que esta reduplicación de una imagen mental». Por citar directamente al propio Boswell, «he de ser preciso al máximo en cada una de las arrugas de su semblante, en cada pelo, en cada lunar»". 

La de Byo es un grabado hecho con el pincel de la cotidianidad, de las gratas inquietudes de dos amigos del mundo de la ficcion y sus autores. Miren lo que recuerda Byo con exactitud y que es una muestra de la infinita sabiduria qye aporta este diario:

"Domingo, 28 de diciembre. En Pardo. Conversación con Silvina. Dice que cada uno de nosotros tiene un tema, al que siempre vuelve: Borges, la repetición infinita; ella, los diarios proféticos; yo, la evasión a unos pocos días de felicidad, que eternamente se repiten: La invención de Morel, «El perjurio de la nieve», la novela (o cuento) que ahora escribo (de los tres días y tres noches de Carnaval). Le conté que referí a Borges «El otro laberinto», en una versión muy tosca, hacia 1935, mientras caminábamos por la calle Vicente López, cerca del cementerio de la Recoleta; él me habló de Berkeley Square, film basado en The Sense of the Past, después empecé —y abandoné— la novela Pasado mortal y, en dos o tres meses de 1945, es cribí «El otro laberinto»".

Es registro de las conversaciones de dos grandes, de un autor, del mundo de la ficción, el mismo siempre nos tiene un infinito dwe referencias y de aluciones que reflejan el inmenso universo creativo que nos rodea. 

Todo será pretexto para crear y escrbir.

martes, 16 de junio de 2026

QUERIDAS LECTORAS QUERIDOS LECTORES (ANAGRAMA 12 JUNIO 2026)

 

Cartel de la obra de teatro Los figurantes, que se estrenará este 7 de julio en el teatro Montmartre Galabru, en París.


El figurante está ahí, pero no cuenta. Tiene cuerpo, pero no voz. Ocupa el plano, pero nunca el centro. Mientras el protagonista despliega su drama, el figurante sostiene el mundo. Sin él, la ficción se derrumba. Es necesario que las calles que aparecen en las películas estén llenas de personas, que las butacas del teatro estén ocupadas cuando los personajes principales tienen una cita, que venga gente al entierro. «¡Un decorado humano, vivo, imprescindible!», exclama Bruno. «Grábatelo en la cabeza: sin nosotros, nadie se creería nada... Así que yo me siento orgulloso. Orgulloso de eso.»

Bruno es uno de los cinco figurantes del rodaje de una película que Delphine de Vigan ha creado en su último libro, Los figurantes, su debut teatral con el que concibe una meditación escénica sobre el rol de los creadores, el papel de la ficción y la importancia que damos a aquello que no se nos presenta de entrada como esencial, protagonista. Quizá por eso el libro resulta a momentos inquietante, ya que convierte en materia teatral todo lo que normalmente queda relegado al fondo; porque desplaza la mirada hacia los márgenes y también porque obliga al lector (al espectador) a preguntarse quiénes son los que quedan detrás de la acción, quiénes habitan las sombras.


En una época obsesionada con la exhibición de nuestras vidas (todo debe mostrarse: opiniones, experiencias, sufrimiento, éxito, cuerpo), Delphine de Vigan no construye solamente una denuncia social clásica sobre los invisibles, sino que muestra, también, la decisión y las dudas de aquellos que deciden borrarse voluntariamente. Aquellos que aceptan, e incluso desean, permanecer al margen. Aquellos que no reclaman atención, los que deciden no ser protagonistas; como si ese desvanecimiento fuera una forma de resistencia frente a la tiranía de la exposición constante.

Ese borrado conecta con una de las obras más leídas de Delphine de Vigan, Las gratitudes: si allí se explora lo que no se dice, en Los figurantes se analiza lo que no se mira. De Vigan trabajaba en esa novela con lo que se oculta en el lenguaje cotidiano: los agradecimientos nunca pronunciados, las deudas afectivas invisibles, las personas que nos sostienen sin ocupar necesariamente un lugar central en nuestra vida. Y ahora, con esta obra de teatro, la autora indaga en cinco figurantes que se encuentran delante de un público que, por primera vez, los ve. De Vigan sigue investigando algo que retrató magistralmente en Las gratitudes: la necesidad de reconocer lo que damos por sentado.


En Lost In Translation (Sofia Coppola, 2003) Bob y Charlotte son simultáneamente protagonistas y figurantes de su propia vida.



Ursula K. Le Guin apostó por una narrativa que desplazaba al héroe del centro, una narrativa épica que ha marcado la historia de la literatura y ha creado estructuras violentas, reduccionistas y basadas en el conflicto: La teoría de la bolsa de la ficción se ha convertido en un clásico para repensar cómo sería una literatura que no se estructurase a través del héroe ni del conflicto, sino a través de múltiples actores y procesos. Se podría decir que Delphine de Vigan traslada esa máxima al texto teatral, centrándose en las multitudes anónimas. Ni héroes, ni líderes, ni individuos excepcionales: figurantes que observan, escuchan y permanecen.

Orso, otro de los personajes de Los figurantes, dice: «Si te paras a pensarlo, grosso modo, todos hemos aterrizado en una historia que ya había empezado cuando llegamos y de la que van a echarnos antes de que termine». Esta debe ser la gran lección que ofrecen los figurantes: que, como ellos, nosotros también hemos llegado a algo que estaba a medio hacer (vidas de gente, ciudades con historia, amores con pasados) y que, a pesar de sentirnos protagonistas de nuestra propia historia, somos los figurantes de la vida de muchísimas otras. Y, a veces, como les ocurre a estos personajes, y aunque nos cueste confesarlo, somos los figurantes incluso de nuestra propia vida.

NOVEDADES

DeLa Semana





Arrancamos con el libro al que hemos dedicado esta newsletter: Los figurantes, de Delphine de Vigan, traducido por Pablo Martín Sánchez y celebrado unánimemente por la crítica literaria. También lo encontraréis en formato audiolibro, en una versión muy especial interpretada por Roser Batalla, Sara Gómez, Ignasi Burniol, Luis García Márquez, Frank Capdet, Neus Sendra, Roger Serradell, Alba Grau y Laura Monedero.

Seguimos con ¿Qué ha pasado?, de Hanif Kureishi, una compilación de relatos y ensayos en los que el autor inglés aborda con la perspicacia de su mirada los grandes cambios que han remodelado la sociedad contemporánea. La traducción es de Cecilia Ceriani.

Publicamos en «Compactos» Las palabras justas, de Milena Busquets, un diario escrito con pinceladas impresionistas que logra que, de lo cotidiano, de lo que en apariencia es anodino, emerja la epifanía.

También Sed, de Amélie Nothomb, una apasionante reescritura de la Historia Sagrada en la que la novelista belga se atreve a dar voz al protagonista y es el propio Jesús quien nos narra su Pasión. La traducción es de Sergi Pàmies.


PILDORAS

Para Estar Al Día

                                               Tráiler de La peor persona del mundo, dirigida por Joachim Trier (2021).


  • La segunda mejor

Hace apenas unas semanas, la actriz Berta Giraut protagonizó en Barcelona una obra titulada La segona millor [La segunda mejor]. Dirigida por Ester Villamor y coescrita junto a la propia Giraut, la pieza se pregunta cómo se puede vivir siendo siempre la segunda mejor. ¿A qué se refiere? Una actriz que siempre ha ocupado roles secundarios, papeles que completan a los protagonistas, se imagina en un rol principal: a momentos ácida, a momentos irónica, a momentos devastada, Giraut da cuerpo a todos esos intérpretes que, de manera discreta y necesaria, han hecho posible que las grandes estrellas existan, que los mismos actores y actrices sigan representando los papeles protagonistas.

                                             Tráiler de La segona millor, de Berta Giraut i Ester Villamor (2023).

FUERA

De Pagina

Julian Barnes, Premio Princesa de Asturias de las Letras 2026

Celebramos por todo lo alto esta noticia: Julian Barnes ha sido galardonado con el Premio Princesa de Asturias de las Letras 2026

El jurado ha destacado su condición de extraordinario narrador y ensayista, dotado de humor, ironía y de un optimismo melancólico y un pesimismo alegre.

https://www.anagrama-ed.es/noticias/premios-y-distinciones/julian-barnes-premio-princesa-de-asturias-de-las-letras-2026-1670



Últimas firmas de la Feria del Libro de Madrid

Llevamos dos semanas estupendas, llenas de conversaciones, firmas y momentos de alegría en la Feria del Libro de Madrid y encaramos con energía su último fin de semana. Así que, si estáis en la ciudad, os invitamos a visitar nuestra caseta (n.º 361, bloque 21-B) y a consultar los horarios de firmas de nuestros autores en las distintas casetas de las librerías participantes.



Un mensaje de Slavoj Žižek

Con motivo de la publicación de su último libro, Una izquierda que se atreva a decir su nombre, Slavoj Žižek expresa su gratitud a los lectores de sus obras en castellano. 

También avanza los temas que trata en esta obra: el concepto de libertad, la necesidad de una nueva izquierda europea, lo que el autor denomina el «proletariado nómada», los retos que plantea el populismo de derechas o el calentamiento global.





Mira aquí el vídeo



martes, 9 de junio de 2026

EXPOSICIONES COLECTIVAS DE LOS ESTUDIANTES DEL INSTITUTO TECNOLOGICO DEBORA ARANGO BIBLIOTECA EPM DE MEDELLÍN

 


Se intalaron en este momento dos exposiciones colectivas de los estudiantes del ITDA en la biblioteca EPM de Medellín. Lo primero, relevar esta alianza que le brinda a los estudiantes un espacio para mostar sus expresiones artísticas, beneficiando por igual a la biblioteca que fortalece sus servicios, a la ciudad que disfruta de las muestras abiertas y a la misma universidad que se sale del claustro generando alternativas que le abren a los jovenes artístas, mecanismos alternativos para darse a conocer.



Voy hablar en principio de la muestra en el primer piso y en otra entrada hablaré la que hay en el sotano. La muestra se llama "Materialidades Discursivas" Salón 17, estudiantes de prácticas discursivas. 



Una exposición colectiva es un evento artístico o cultural que reúne las obras de dos o más artistas, en este caso son más de 30, bajo un mismo espacio y, por lo general, bajo un mismo hilo conductor. A diferencia de una exposición individual, esta modalidad destaca por su diversidad y el diálogo que se genera entre las distintas piezas. Miremos quienes fueron los encargados de la misma:

Lider de inveastigación: Carmen Cecilia Alvarez Mazo.

Lider de producción: Maximiliano Nuchis Grafitti.

Lider de gestión: Carlos Alberto Rua.

Museografía y montaje: Juan Felipe Perez 

Practicantes: Felipe Ogaza Vargas/Valeria Cobos/Logan Herrera Gonzalez/Natalia Barrientos.



Las obras no se leen de forma aislada. La cercanía de una pieza con otra en la sala genera un "diálogo". A veces, las obras se complementan armónicamente; otras veces, chocan o se contradicen deliberadamente para generar debate y reflexión. Desde el punto de vista de las galerías o museos, las exposiciones colectivas son excelentes para maximizar recursos. Permiten mostrar el talento de muchos artistas a la vez, optimizando el espacio físico y multiplicando el alcance de la difusión, ya que cada artista convoca a su propio público.



Esta muestra tiene como caracteristica especial la multiplicidad de tecnicas. Hay una riqueza conceptual que denota una ansiedad temporal que expresa una hermeneutica desde una esclerotica muy particular, un dialogo con el entorno desde subjetividades creativas.  La biblioteca EPM es una plataforma ideal para darse a conocer, compartir espacio con creadores  y entrar en el circuito del arte. En este caso ofrece una visión panorámica y diversa de un tema o de la escena artística actual en una sola visita.



Maximiliano Nuñez Grafitti ern su presentación expresa unas ideas que deglosaré por su importancia, dice:

En el arte y la arquitectura, los materiales no son simples soportes físicos ni elementos pasivos; son componentes fundamentales que definen, transforman y comunican el significado de la obra. Es preciso advertir que los materiales cargan con su propia historia, procedencia y asociaciones culturales. No transmite lo mismo el mármol pulido que el cartón corrugado o el plástico reciclado. En el arte contemporáneo, utilizar basura, ropa usada o materiales industriales (como en el Arte Povera) es una declaración intencional contra el consumismo o una crítica a la sofisticación del mercado del arte. La estética no solo entra por los ojos; involucra todos los sentidos. El material determina cómo interactuamos físicamente con la obra. Esta exposición es rica en tecnicas y recursos, me permiten estar tranquilo frente al futuro del arte en Colombia y como el dialogo de estos jovenes con su entorno y la multiplicidad de significados y significantes de la sociedad convulsa en que nos movemos desde el arte es expresada con mucho sentido, aperturando interrogantes y ansiedades. El material dicta las reglas del juego creativo. El artista  debe entablar un "diálogo" con las propiedades físicas de la materia.



El paso de la materia prima al objeto estético juega varios papeles cruciales que quiero relevar taxativamente:

1.- ) Toda decisión material produce sentido.

2.-) Los materiales no son unicamente soportes o recursos técnicos.

3.-)  Su textura, peso, fragilidad, resistencia procedencia condicionan la manera de una imagen, una fotografía o una pieza audovisial pueden construrse y ser percibidos.

4.-) Cada elección implica implica una posición estetica y discursiva.

Miremos a los participantes con más detalle:

1.-) Valery Michel Serna Roa. Tecnicas, Tecnica mixta y (retro) Grafito sobre papel.

2.-) Sofia Restrepo ospina. Técnica, ilustración digital/Dibujo digital.

3.-) Juan Pablo Granada. Técnica/Acrilico.

4.-) Samanta Sanchez Granada. Técnica/Acrilico,

5.-) Mariana Marin Florez. Técnica/ Grafito en hoja.

6.-) Valeria Betancur Sucerquia. Tecnica:  Radiografía solare Opalina.

7.-) Sara Jaramillo Muñoz. Técnica:  Radiografo.

8.-) Lusiana Acvosta. Técnica: Puntillismo.

9.-) Lusiana Acosta. Técnica. Puntillismo.

10.-) Susana Jimenez. Técnica. Grabado en Linolio/ Oleo Solar.

11.-)  Angelica Amparo Leon. Técnica. Grabado Toco Perdido.

12.-) Paola Andres Perez Estrado. Técnica. Taco Perdido.

13.-) Andrés Londoño Velez. Técnica. Acrilico sobre madera.

14.-) María Fernando Marin. Técnica. Xilografía.

15.-) Laura Quintero Chica. Técnica. Pintura Sobre Madera.

16.-) Juan Daniel Cano Marin. Técnica. Acuarela.

17.-) Karen Montoya. Técnica. Grabado.

18.-) Diana Cristina. Técnica. Toco Peña Pintura.

|19.-)  Valencia Cobos. Técnica Monotipo.

20.-) Laura Camila Herrera. Técnica. Carboncillo Sobre Madera.

21.-) Madelyn Ledezma. Técnica Dibujo.

22.-) Jeronimo Galeano Gil. Técnica. Acrilico sobre roble.

23.-) Angely Amparo Leon. Técnica. Acrilico.

24.-) Leidy Johana Zapata. Técnica. Meodymode fotografía.

25.-) Maria Isabel Ospina Vasco.  Técnica. Reody Made.

26.-)  Yolanda Lurkin Bastidas. Técnica Fotografía de Producto.

27.-) Sara María Ruiz Bustamante. Técnica. Fotografía a Blanco y Negro.

28.-) Sara Sanchez Vasquez. Técnica. Fotografía.

29.-) Juan Manuel Ospina Valencia. Técnica. Fotografía.

30.-) Samuel Galviz Gutierrez. Técnica. Fotografía Digital.

31.-) Martín Salaszar Encinales. Técnica. Vitrismo.

32.-) Sara Jaramillo Muñoz. Técnica. Vitrismo.

33.-) Anny Alejandra Estrada. Técnica. Vaciado en Escaneli/Patinado en pintura/Vaciado en semento/Vaciado en yeso odonologico/Moldeado en arcilla/Tratado.

34.-) Isabela Acevedo, Santiago Cardona,Valencia Vargas, Santiago Tuiran, Ana Sofía Castro López , Felipe Ogaza, Salome Ruiz Maria. 



Técnica: Video.



Me atrevería a decir que esta es una invitación directa: Los profersores seleccionan y buscan específicamente a los artistas cuyo trabajo ya se alinea con el concepto de la muestra.



Invito a todo el público de Medellín a visitar esta exposición colectiva.


ADDENDA: Espero cualquiera de los expositores o profesores si tienen un video de la muestra me lo pasen.



cesarhernando.bustamante@gmail.com



















lunes, 1 de junio de 2026

QUERIDAS LECTORAS QUERIDOS LECTORES (ANAGRAMA 27 DE MARZO 2026)

 

                                    Detalle de Tirando al suelo una urna de la dinastía Han, Ai Weiwei, 1995, © Ai Weiwei.


«Escribo para que me quieran», dijo el escritor Antonio Pereira. Pronunció esta frase en una conferencia en la Universidad de Navarra, donde celebraba una de las mayores satisfacciones que le había dado la literatura: la creación de un buen número de amistades. Hace apenas unas semanas, Mayte Gómez Molina, poeta y narradora, confesaba en una conversación con Noelia Ramírez y Begoña Gómez Urzaiz que la inteligencia había sido, a lo largo de su infancia, una estrategia para demostrar a los demás que merecía ser querida. Que era digna de ser amada.

Esto es algo que también siente Anna, la protagonista de La boca llena de trigo, la primera novela de Gómez Molina, que recupera su universo poético declinado ahora en una historia sobre los entresijos del mundo del arte, entre galeristas famosas y artistas ricos. 


Un día, Anna recibe la llamada de Maria Manzoni, una conocidísima coleccionista de arte contemporáneo que le ofrece una oportunidad única en ese mundo: una exposición individual de quince cuadros, con la promesa de recorrer un largo camino juntas. Entonces aparece, implacable, la duda: ¿pintar esos cuadros es un deseo genuino o responde a la necesidad de cumplir? ¿Crea para ella misma o para complacer a esa galerista reconocida? ¿Se ha convertido la creación en un intento de satisfacer las expectativas de los demás?

Después de esa llamada, parece que algo está a punto de pasar, «pero imposible saber si ese algo era bueno o era malo». Crece la duda en Anna, que trasciende el síndrome de la impostora y acaba preguntándose algo todavía más profundo: por qué se crea y para qué. ¿Cuál es la intención final del arte? ¿Con qué pretensiones nace, qué objetivos quiere cumplir? Es por eso por lo que Anna regresa a su infancia y al recuerdo de unos años atravesados por el rechazo y la culpa. También piensa en el presente: en una amistad que se resquebraja cuando el éxito inesperado llama a la puerta. Puede que todo lo que rodea el arte vaya mucho más allá del arte, y que la pregunta por la creación no la responda la creación misma, sino algo más hondo, más humano y esencial: ¿creamos para sentirnos queridos?



https://www.youtube.com/watch?v=WzmMW8WDOiU

En esa conversación con Noelia Ramírez y Begoña Gómez Urzaiz, Mayte Gómez Molina afirma que es muy difícil mirarse a una misma y descubrir las verdaderas intenciones que nos mueven. ¿Y si no somos tan humildes como nos pensamos, cuando estamos creando? ¿Y si, en el fondo, deseamos el éxito, la aprobación social, el reconocimiento? Otra forma de amor: el amor del público, el aplauso global, la celebración colectiva.

La historia de Anna retrata todo lo que ocurre cuando la creación deja de ser algo que se hace en el espacio íntimo, sin pretensiones (durante esos intensos años de universidad, por ejemplo, cuando la ingenuidad lo baña todo), y se convierte en una actividad en la que se instala la mirada de los otros: la recepción. ¿Es posible mantener entonces una idea pura del arte? ¿O mantener una idea pura del amor? La historia de Anna nos enternece porque, de algún modo, habla también del lector: cuando alguien proyecta expectativas sobre nosotros, cuando nos hacen la promesa de llevarnos muy lejos, incluso nuestros deseos más sólidos, eso a lo que llamamos «esencia», pueden cambiar. Puede que entonces crear ya no vuelva a ser jamás lo mismo.


NOVEDADES 

DE LA SEMANA


Arrancamos con Las pruebas de mi inocencia, de Jonathan Coe, traducida por Javier Lacruz, una novela detectivesca y satírica, que va saltando entre géneros, sobre las miserias políticas de la Gran Bretaña actual.

Seguimos con Septiembre negro, de Sandro Veronesi, una narración del agridulce tránsito hacia la edad adulta y un retrato de la generación que creció en la Italia de la transición. La traducción es de Juan Manuel Salmerón Arjona.

Publicamos ¡Adelante, Cronófobos!, la segunda novela de Diego Garrido, una obra fragmentaria, híbrida y confesional que orbita en torno a la obsesión con el tiempo, la pérdida y la imposibilidad de fijar lo vivido.

«Nuevos cuadernos Anagrama» trae Bobi, de Roberto Calasso, un bellísimo homenaje al misterioso Roberto Bazlen, enigma de las letras italianas y una de las almas fundacionales de la exquisita editorial Adelphi.

Llega Nunca cruces ese umbral, tres relatos de Mariana Enriquez ilustrados por Santiago Caruso que nos llevan al horror y al dolor que habita dentro de todos nosotros de una manera perturbadora.

«La Bella Varsovia» suma a su catálogo Vengo de ver, de Andrés Neuman, un viaje visionario y colectivo que canta nuestros impulsos de extinción y de amor como un mito de origen contemporáneo.

Arriba Els erms, de Carlota Gurt, l’obra guanyadora de l’11è Premi Llibres Anagrama, una novel·la que celebra el poder de la fabulació per impulsar no només un relat, sinó també la nostra alegria salvatge.

«Compactos» recupera La biblioteca de la piscina, la primera novela de Alan Hollinghurst, una vasta, compleja, gozosa y a veces amarga crónica de la vida y la cultura gay en Inglaterra.

PILDORAS

Para este día

  • Habitar el umbral

En Nadie me esperaba aquí, Noelia Ramírez crea una poética del umbral. En una newsletter anterior, hablamos de esta cuestión: de lo que significa quedarse en el limbo, de quienes habitan el umbral. Los diseños del arquitecto Aldo van Eyck permiten a Ramírez ilustrar ese no-lugar, habitado también por Anna en el mundo artístico que retrata Mayte Gómez Molina. Con sus respectivos ejercicios de escritura, Ramírez y Gómez Molina demuestran que el limbo no es tierra de nadie, sino tierra de todas, una experiencia mucho más común y colectiva de lo que creemos.



  • El desclasamiento en el mundo del arte

Basquiat. Courbet. Abramović. Ai Weiwei. Todos ellos comparten el relato, ya romantizado, del artista pobre que el mercado del arte convierte en una estrella mundial. Basquiat dormía en casas de conocidos mientras vendía postales dibujadas a mano en las calles de Nueva York. Courbet pintaba entierros de pueblo y trabajadores comunes a escala monumental, cosa que escandalizaba a la crítica. Abramović creció en la Yugoslavia socialista con una educación estricta y su desclasamiento no fue solo económico, sino también de origen: el circuito artístico occidental y de tradición capitalista la celebró con entusiasmo. Ai Weiwei pasó de vivir en pésimas condiciones a convertirse en uno de los artistas más cotizados del mundo. Son todas historias de éxito, de desclasamiento, de final feliz. Son, a la vez, historias creadas por el mismo mercado del arte para generar relatos de superación, de transformación, que legitimen su funcionamiento. ¿Qué ocurriría si supiéramos que todas las historias no terminaron así? ¿Qué pensaríamos del arte, del éxito y de la creación? ¿Ensancharíamos ese umbral, en vez de achicarlo?.



El 21 de octubre, el Ayuntamiento de Nueva York y el Basquiat Estate supervisaron la co-denominación de un tramo de la Great Jones Street en honor a Jean-Michel Basquiat © Gerardo Romo/Unidad de Medios del Ayuntamiento de Nueva York.


  • Variaciones de Maria Manzoni

En los agradecimientos del libro, Mayte Gómez Molina da las gracias a Chus Martínez: «Lo que más le agradezco a Chus es que no sea Maria Manzoni, sino alguien que hace que no puedas resistirte a creer en el arte y dejar que te cambie, una y otra vez». Chus Martínez es una de las curadoras de arte contemporáneo más influyentes del mundo. Historiadora del arte, filósofa y escritora, es considerada una figura clave a nivel internacional, y ha participado en las bienales de Venecia y São Paulo y en la Documenta de Kassel. En una entrevista, Martínez afirmaba que no hay nada más hábil para la intuición que el arte, esa cosa inexplicable que es capaz de predecir lo que todavía no sabemos. Eso es lo que hace el arte. «¿Quién aguanta el hecho de que somos lentos pero no lo queremos confesar? El arte» (Chus Martínez).


       Chus Martínez © Gina Folly.


FUERA

De Página






Resaca creativa – Con Mayte Gómez Molina y Pere Joan Fullana

¿El futuro del arte está atravesado por la tecnología? En este tercer episodio de «Bestiario» hablamos de trabajo y creación. Beñat Azurmendi invita a Pere Joan Fullana (más conocido como @perejfm) para charlar sobre la imposibilidad de desligar el arte de su fin material y comentar la influencia de la inteligencia artificial en las imágenes.

En la segunda parte del programa, Azurmendi se traslada a la bodega Casas, en Barcelona, para conversar con Mayte Gómez Molina sobre su debut en la novela con La boca llena de trigo. Ambos reflexionan sobre el síndrome del impostor, el papel del arte en el capitalismo y la intromisión del trabajo en todos los aspectos de la vida.



Marta Morros, traductora de Yoko Tawada

Con la comunicación como eje central de su obra y una narrativa de tintes surrealistas y fantásticos, Yoko Tawada, en Desperdigados por el mundo, nos sumerge en una extraordinaria odisea lingüística y existencial para indagar en la relación intrínseca entre lenguaje y pertenencia.

En este vídeo, su traductora al castellano, Marta Morros Serret, traza un perfil de la autora japonesa y explica los retos que ha enfrentado trabajando con sus textos.